TEORIA ANALISIS Y CRITICA DE LAS BELLAS ARTES

Autor: CHAMORRO SҁNCHEZ JUAN ANTONIO.
Año: 2003.
Universidad: COMPLUTENSE DE MADRID.
Centro de lectura: FACULTAD DE BELLAS ARTES.
Centro de realización: FACULTAD DE BELLAS ARTES.

Resumen: Se compone un paradigma del diseño que contiene el enseñar y el hacer. Desde la semiótica, se entiende el objeto a diseñar dentro de un campo encilopédico; y en él, el objeto se estructura dentro de un código, y desde éste se reconoce un tipo. El paradigma es una estructura de nudos que posiciona, al que diseña, en ellos; cada nudo abre el núcleo de sus contenidos, abre caminos dentro de su propio nudo y cada uno se relaciona con los restantes rizomáticamente (tridimensionalmente por lo menos). El paradigma no es cerrado en su número de nudos ni en las relaciones entre ellos; el paradigma debe estar continuamente generando, asentando y renovando relaciones entre nudos y admitiendo nuevos y eliminando; seminando o condensando los existentes. El paradigma que se presenta es una potencia de creatividad. Estableciendo el diseñador en el paradigma, éste le obliga a estar siempre en la cima de la visión. En el paradigma el diseñador recorre a voluntad los nudos; saltando de unos a otros, tejiendo la maraña de la red relacional que le supone el concepto de salto, sin trabas de longitudes y simultaneidades. Los saltos, en el paradigma, entre nudos pueden ser cualesquiera y sin limitaciones. Este es el rizoma tejido; los rastros de los saltos en libertad. La potencia creativa del paradigma se manifiesta cuando -en el nudo de la tipología- el diseñador, reconociendo el tipo del objeto, o teniéndolo asumido por su conocimiento previo, lo sigue, lo transforma o lo rompe, porque la posición en el paradigma lo impele y explicita los contenidos de sus nudos y relaciones, y recorriéndolos a voluntad y a su albedrío. Y para más clarificar, lo mantenido en la tesis, realizamos dos experimentos, que se exponen y creemos demuestran. Uno de los experimentos va a reconocer el tipo del objeto y, de una manera muy elemental, va a violentarlo -suprimiendo uno de sus elementos- en base a que el objeto, así violentado, al perder una parte esencial del tipo, obligará al diseñador a: desde, i) buscar una adecuación por transformación expresiva; hasta, ii) una transformación radical de expresión y contenido; y como logro total, si es posible, un nuevo tipo: la instauración de un código. El otro experimento, aparte de reconocer el tipo, partirá de varios delos nudos del paradigma, y desde él diseñará un nuevo objeto. Y este trabajo, en ambos casos, lo hará el diseñador saltando de nudo a nudo del paradigma, contemplando desde cada uno de ellos el objeto y haciendo desde ellos. El diseñar así será. Mantenemos que este diseñar, que intenta dominar, (el pardigma y su acción en él) es análogo a la evolución: el diseñador es el mutador del objeto -mutador del tipo- y la mutación y su expresión, en nuevo objeto, tendrá éxito si es adecuado al cuerpo social y éste lo adite y deja desarrollar. La mutaciones que propone y genera el diseñador no son el azar (en su mayor parte), son generadas entre la tormenta y la calma, entre la locura y la razón; el relámpago de la síntesis que ilumina toda la maraña estructurada del campo del paradigma, propone mutar y se calma y asienta -dentro del propio paradigma- con la crítica de la razón. Y por último expresar que el paradigma es un ambiente abierto en el espacio y en el tiempo. El paradigma se autorregenera porque sus nudos imponen mutaciones para la renovación. El paradigma, en el tiempo. El paradigma se autorregenera porque sus nudos imponen mutaciones para la renovación. El paradigma, en el tiempo, se proporciona con metáfora; y cambia cuando cambia la metáfora; y esto sucede en proceso paralelo a la autorregeneración de nudos. Cuando la autorregeneración de nudos, a base de mutaciones exitosas, revienta, la nueva metáfora del paradigma, - que paralelamente se ha ido generando y que a su vez, en interrelación, ha sido causa de la transformación de las expresiones y contenidos de los nudos, así como de sus sistema rizomático de conexiones- nace. Cambio de metáfora: nuevo entendimiento del paradigma, "revolución artística".

Autor: GARCIA RANEDO MARIA DEL MAR.
Año: 2003.
Universidad: SEVILLA.
Centro de lectura: FACULTAD DE BELLAS ARTES.
Centro de realización: FACULTAD DE BELLAS ARTES - UNIVERSIDAD DE SEVILLA.

Resumen: Analiza la atención recíproca y los vínculos relacionales que han mantenido la moda y el arte a lo largo del siglo XX. Cómo durante dicho siglo, ambos fenómenos se han configurado como principios organizativos, como instituciones características de la vida colectiva moderna y como campos de reflexión teórica y estética desde donde se han cuestionado analítica y subversivamente los valores tradicionales y autoritarios socialmente establecidos. Para ello hemos dirigido los objetivos en articular todo un conjunto de aspectos que analicenlos comportamientos o conductas relacionales entre ambos fenómenos, llevando a cabo un estudio de las formas de vida y de los culturalismos más destacados de cada momento histórico, así como de las subculturas que generan una interpretación activa de las mismas desde sistemas estéticos y plurales. Concluimos apuntando que en la moda, al contrario de los movimientos históricos del arte, más que renovaciones hay sustituciones o variaciones; esto es, pequeños cambios articulables que ocupan el lugar del os que le procedieron para dar una imagen constante de cambio. Este guionaje de la sustitución y apropiación o cita de modelos anteriores dela moda es fusible en la actualidad con el movimiento postmoderno en el arte, que más que un movimiento de ruptura y renovación artísticos, es un movimiento sujeto más a cambios imperceptibles o potenciales que reales. El arte y la moda, en la actualidad no hacen uso de coartadas subversivas sino que confluyen en una necesidad de vigilancia ante la imagen novedosa, una imagen que les represente con la que a la vez puedan representar la época. De esta manera los intereses particulares prevalecen sobre las conquistas colectivas, la lógica individualista es la tendencia de esta época llamada posthedonista.

Autor: TÉLLEZ GARCÍA M. ISABEL DE JESÚS.
Año: 2004.
Universidad: COMPLUTENSE DE MADRID.
Centro de lectura: FACULTAD DE BELLAS ARTES.
Centro de realización: FACULTAD DE BELLAS ARTES.

Resumen: La propuesta escenográfica de la ópera Carmen en España, desde el Periodo de la Transición hasta nuestros días, constituye un tema y una etapa importantes en la consolidación del diseño escenográfico en los últimos años. Con el presente trabajo, estructurado en dos partes, nos proponemos realizar en la primera, un estudio histórico de base y en la segunda, una panorámica y análisis escenográfico a partir de imágenes, cuya información descubra, explique y ordene relaciones, nexos y circunstancias acontencidos alrdedor del desarrollo de sus realizaciones. Esta dualidad en los períodos de estudio contribuirá a una mejor comprensión teórica y analítica del objeto de estudio. Nuestra tarea se ha centrado en el estudio y análisis de la propuesta escenográfica de la ópera Carmen en los últimos treinta años y como objetivo periférico, nos propusimos realizar una síntesis del panorama histórico y escenográfico sobre el tema, con el propósito de conocer la relación entre el texto literario, los hechos históricos y la propuesta escenográfica. Con esta investigación tratamos de dar a conocer los rasgos fundamentales de la propuesta escenográfica de la ópera Carmen en España entre 1975 y 2004, a partir de una muestra de 20 representaciones organizadas en orden cronológico. De la misma manera, se trata de posibilitar una visión coherente e integral de la relación música texto, del concepto de la propuesta escenográfica y de un panorama que incluya interpretes, escenográfos, fotógrafos, directores de escena y de orquesta, así como la inclusión de comentarios, artículos y críticas de prensa referentes a las realizaciones escenográficas. Con este trabajo pretendemos contribuir al conocimiento del nivel escenográfico alcanzado en los últimos treinta años, esperamos que nuestro estudio pueda ayudar a comprender mejor la labor creativa de escenográfos y diseñadores operísticos en España en una etapa tan poco estudiada.

Autor: GARCÍA RECELLADO AMANDA.
Año: 2004.
Universidad: COMPLUTENSE DE MADRID.
Centro de lectura: FACULTAD DE BELLAS ARTES.
Centro de realización: FACULTAD DE BELLAS ARTES.

Resumen: La investigación de la presente tesis doctoral, circunscrita al continente europeo, trata de demostrar que el deporte es una disciplina artística, unida a las artes denominadas móviles por la naturaleza tridimensional a la que está intrínsecamente unida, en las que el arte del deportista se desarrolla en el espacio poblando el vacío de líneas móviles, huellas de su acción y memoria de una vida efímera, que pervive en la vida de cada espectador, en la que como todo arte, está dado a la visualización y exposición ante el espectador. Se ha tratado de hacer una importancia revisión histórica constatando que la naturaleza móvil del deporte, el movimiento corporal del deportista ha supuesto desde el hombre prehistórico una constante indagación, objeto de estudio, reflexión y analizando como éste comenzó a plasmarse en la imagen bidimensional y obtenida, como resultado de su conclusión, un gran número de escenas en las que el deportista es el protagonista de la acción móvil y como éstas han continuado a lo largo de las distintas épocas y periodos conformando una Historia del Arte, en las que hallamos al hombre deportista en la acción corporal, del deporte individual o en equipo al que se halla circunscrito en un espacio geométrico concreto, a través de las cuales se ha podido estudiar el avance del deporte hasta situarse en el que conocemos de la actualidad, y como el creador de obras plásticas ha avanzado en la técnica del dominio del movimiento corporal del hombre en el espacio bidimensional o tridimensional si hablamos de la escultura. El arte del siglo XX, en su avance discursivo individual de vanguardia, el estudio del movimiento coporal del hombre deportista a continuado siendo una base importante en las diferentes especialidades estáticas de las Bellas Artes, en las que tuvo una importante relevancia la incorporación de éstas en los Juegos Olímpicos de la Era Moderna, instaurados pro el Barón francés Pierre de Coubertin, invitando a los creadores de imágenes plásticas y compositores de música, Internacional del Deporte en las Bellas Artes, creadas a mitad del siglo XX en España, y cuyas obras pueden contemplarse en el Consejo Superior de Deportes en Madrid, o los diferentes de deportes europeos, de los describo tres de los más importantes, el Museo Olímpico de Lausana, el Museo de Deportes y Olimpismo Germano y el Museo Fútbol Club Barcelona President Núñez.

Autor: MUÑOZ GONZÁLEZ M. JESUS.
Año: 2004.
Universidad: COMPLUTENSE DE MADRID.
Centro de lectura: FACULTAD DE GEOGRAFÍA E HISTORIA.
Centro de realización: ARTE Y ARQUITECTURA EN LA ESPAÑA DE LA EDAD MODERNA.

Resumen: En este estudio se han tratado de abordar todas las relaciones entre el dinero y los lienzos en el siglo XVII. Se muestran todo tipo de procesos de tasación de pinturas, desde el a que se hace para pagar al pintor hasta la que se realiza para vender la obra en el mercado secundario o almoneda. Además se muestra cómo se realizaban los inventarios de los que formaban parte las tasaciones de pintura, donde se hacía una estimación de estas y cómo se llevaban a cabo las almonedas. Tamibén se analiza la figura del tasador, viendo que es uno de los factores más importantes para la formación del precio. En el análisis realizado de las colecciones se señalan previamente las características comunes de los coleccionistas y después, con una novedosa metodología se trata de extraer del contenido de sus colecciones las conclusiones sobre la estimación de las diversas pinturas en función de sus características. Se muestra cómo éstas hacían variar los precios teóricos que constituyen las tasaciones, que coincidirán. Con los precios reales en los que se comparan los clientes en los primeros años del siglo, pues al final de la centuria las rebajas que se hacen marcarán una diferencia entre ambos precios. Se estudian también los mercados donde se venden estas pinturas, tanto el interior como el exterior. En el mercado patrio se trata tanto la venta en el mercado primario donde se explican las características del proceso de la venta directa y de la venta por encargo, como de la venta en el mercado secundario, es decir donde se trata de las almonedas. Sobre el mercado internacional se tratan los modos de compra y protagonistas de los lugares a los que el cliente español dirigió sus preferencias. Para el estudio de los de tasaciones, diversas colecciones y mercados se ha recurrido a múltiples y variadas fuentes documentales que permiten aclarar el papel jugador por los distintos personajes y los mecanismos de intercambio de dinero por pinturas.

Autor: JIMENEZ DE LAS HERAS JOSE ANTONIO.
Año: 2004.
Universidad: COMPLUTENSE DE MADRID.
Centro de lectura: FACULTAD CIENCIAS DE LA INFORMACIÓN.
Centro de realización: FACULTAD DE CIENCIAS DE LA INFORMACIÓN.

Resumen: La tesis doctoral, plantea como hipótesis central que la obra de Rossen, en concreto sus dos últimas obras, se erige en una poderosa metáfora creativa que, utilizando las vivencias personales del autor como materia prima, va a construir una profunda reflexión sobre la ciudad de su época, así como sobre la relación del artista con dicha sociedad. Para desarrollar dichas hipótesis la tesis se centra en el análisis de sus dos últimas obras, The Hustler (1961) y lilith (1964), que a su vez se proponen como un díptico en el que Rossen desarrollará en total plenitud el método antes descrito, para a través de él llegar a construir una reflexión universalmente valida sobre cuestiones genéricas. Unido a lo anterior, y de manera preferente, s ehan tenido en cuenta documentos inéditos, obtenidos por el doctorando en el curso de su investigación, que han permitido relacionar el último e inconcluso proyecto de Rossen (titulado Cocoa Beach) con sus obras finales. Por último, sustentado en la hipótesis central de esta tesis, han jugado en ella un papel fundamental los testimonios y documentos que permiten relacionar la obra del director con sus vivencias personales: testimonios aportados, fundamentalmente, por el hijo del director, Steven Rossen, cuyas palabras resultan fundamentales para cimentar los objetivos de esta investigación.

Autor: MORENO MORENO MACARENA.
Año: 2004.
Universidad: COMPLUTENSE DE MADRID.
Centro de lectura: FACULTAD DE BELLAS ARTES.
Centro de realización: FACULTAD DE BELLAS ARTES.

Resumen: La tesis es un directorio de datos, de todos los factores importantes, en lo que a obra gráfica se refiere, necesarios para el estudio y comprensión de lo acontecido en Madrid, en la década d elos 90, en la evolución y desarrollo del arte gráfico seriado y que nos permite hacer una semblaza de lo acontecido en Madrid, en estos diez años. El estudio se centra principalmente en: La enseñanza, los talleres de estampación, los certámenes los editores y distribuidores de obra gráfica, las ferias, el coleccionismo, las publicaciones, el panorama artístico y el inicio de la era digital.

Autor: ANTOÑANZAS MEJÍA FERNANDO.
Año: 2004.
Universidad: COMPLUTENSE DE MADRID.
Centro de lectura: FACULTAD DE BELLAS ARTES.
Centro de realización: FACULTAD DE BELLAS ARTES.

Resumen: Los juguetes son uno de los objetos que mejor se identifican con la infancia, ya que el juego es una de las principales actividades de los niños. Mucho de los juguetes son una constante en la historia de la humanidad. A comienzos del siglo XX algunos movimientos de vanguardia pretendían influir en la sociedad y para ello nada mejor que acercarse a la infancia. Uno de los resultados de este acercamiento fue la producción de juguetes. Varios han sido los artistas que ha fabricado juguetes ya fuesen para comercializar con ellos ya para satisfacer a sus hijos o para ambas cosas. Sobre los que trata esta tesis son: Alexander Calder, Fortunato Depero, Lyonel Feininger, Ángel Ferrant, Pablo Picasso, Paul Kleen y Joaquín Torres-García. Los juguetes que han hecho los artistas comparten características con su obra y con su mundo creativo, lo que permite considerarlos como parte de su obra, una parte muy poco conocida en la mayoría de los casos.

Autor: VECIANA SCHULTHEISS STELLA.
Año: 2004.
Universidad: BARCELONA.
Centro de lectura: FACULTAD DE BELLAS ARTES.
Centro de realización: FACULTAD DE BELLAS ARTES.

Resumen: Ante el panorama de sociedades cada vez más condicionadas por processo de transformación estructurales inducidos por la ciencia y la tecnologia, la cuestión que nos planteamos en esta tesis es el rol del arte en la generación, desarrollo , presentación y difusión de conocimiento.¿Es posible que la intersección entre arte,ciencia y tecnología esté generando un nuevo paradigma artístico?¿qué incidencia social puede tener la investigación artístico-cientifico-tecnologíca?La pregunta por la incidencia social o performatividad del arte, entendido como forma de conocimiento que proviene de la voluntad de actuar en otros campos, genera la necesidad de redefinir los componentes epistemológicos del arte y repensar sus funciones sociales.Esta tesis intenta dar respuesta a estas cuestiones a partir del estudio de las prácticas y los discursos actuales entre el arte, la ciencia y la tecnología . El estudio se estructura en cuatro capítulos:en el primer capítulo, se introduce la hipótesis del "research arts" , es decir ,del arte como práctica de investigación y generación de conocimiento a partir de una perspectiva histórica y epistemológica ; en el segundo capítulo , se estudia la componente investigadora del arte del research arts,por ejemplo , se analizan las agendas de investigación entre el arte,la ciencia y la tecnología en la actualidad y el giro performativo del research arts, es decir , su capacidad de intervenir y contribuir en la construcción social;en el tercer capítulo , se investigan diferentes modelos concretos de investigación de la heurística transepistémica que llevan a una reflexión sobre el método común de aplicación y desarrollo de los modelos de arte y ciencia ;en el cuarto capítulo , se plantea la construcción social del research arts a partir de una redefinición de la noción dela cultura y la introducción de la vertiente de la traducción transepistémica .Por último,las conclusiones especifican las funciones socials del research arts.

Autor: GONZÁLEZ SANZ ALEJANDRO JOSÉ.
Año: 2004.
Universidad: COMPLUTENSE DE MADRID.
Centro de lectura: FACULTAD DE BELLAS ARTES.
Centro de realización: FACULTAD DE BELLAS ARTES.

Resumen: ¿Qué métodos se emplearon para la enseñanza del dibujo en el tiempo y el lugar que establece la investigación? ¿Qué intereses atraían alos alumnos?¿Se mantuvieron o cambiaron? La legislación de la enseñanza del dibujo se mantiene prácticamente inalterable. ¿Debido a su idoneidad?¿Se cumplía realmente?¿Surgieron otras posturas críticas? ¿Qué opinaban los profesores?¿Qué opinaban los alumnos?¿Qué provocó el cambio? Nuestra tesis pretende contestar estas preguntas.Junto al cuerpo principal añadimos otras partes complementarias y apéndices incluyendo una muestra gráfica que fundamenta los temas desarrollados , uno dedicado a material didáctico y otro a obras originales de alumnos. Los materiales consultados que documentan los sistemas de enseñanza:Memorias y Anuarios,expedientes de profesor , testimonios de antiguos alumnos etc.hablan de métodos de enseñanza de dibujo del natural, copia de yesos principalmente, pero también animales disecados , elementos vegetales, arquitecónicos etc.y que debía erradicar el anterior método basado en la copia de láminas. En la práctica y contra la legislación vigente , al alumno no se le negaron otras posibilidades , como las que propiciaban el conocimiento del dibujo a través de la forma lineal y estudio de los dibujos de grandes maestros gracias a láminas y estampas. Un simple cambio de modelos nunca pudo significar una transformación fundamental en la enseñanza.Durante muchos años los modelos de bulto y de estampa alternaban , con el asentimiento de célebres profesores, formando pormociones de no menos importanates sólo entres sí , sino con otros procedentes visiones, críticas de la pedagogía del arte. Tras la guerra civil, la posguerra no permitió ningún cambio educativo que no fuese retroceso. Los cambios culturales y artísticos acaecido en España a finales de los años cincuenta tuvieron una repercusión obligada con el cambio de la legislación educativa en ganeral y artística en particular, incorporando , por fin, nuevas metodologías en la enseñanza del dibujo.

Autor: TROBAT BERNIER RAFAEL.
Año: 2004.
Universidad: COMPLUTENSE DE MADRID.
Centro de lectura: FACULTAD DE BELLAS ARTES.
Centro de realización: FACULTAD DE BELLAS ARTES..

Resumen: La investigación , centrada en el desarrollo de un proyecto fotográfico planteado simultáneamente como documento y como vía de expresión artística del autor , intenta, en primer lugar, demostrar que no existe contradicción alguna entre funciones , que son constitutivas y definitorias del medio fotográfico.Antes al contrario, la investigación se preocupa por establecer la ralación entre ellas y mostrar cómo la imagen fotográfica puede enriquecerse cuando de una manera consciente se vinculan la finalidad documental y la artística. Asumida la imposibilidad de realizar un registro de lo real, objetivo e imparcial , pues todo el proceso determinado por múltiples decisiones dependientes de la subjetividad de fotógrafo, el poryecto es desarrollado en función del criterio , y las necesidades de expresión del autor y de su particular manera de traducir la realidad en imágenes.Pero al mismo tiempo tiene siempre presente el hecho de que toda fotografía , independientemente de las intenciones del autor.documenta la realidad, es decir , deja constancia de su existencia, de ahí la preocupación por hacer del trabajo fotográfico un testimonio de la experiencia vivida en un país concreto(Nicargua)en un período de tiempo determinado (de 1990-1993), en el que tienen lugar una serie de fenómenos políticos , sociales y culturales que definen una época de cambios en la vida del país. A través del trabajo fotográfico realizado durante trece años,se propone y se desarrolla un método para la creación de imágenes fotográficas documentales determinadas en última instancia por las necesidades expresivas del autor.Un método que concede a la experiencia práctica, al análisis y la reflexión la mayor importancia para el desarrollo de la obra y la madurez artística del fotógrafo .Y simultáneamente , puesto que se muestran asimismo las distintas fases, no ya de la creación de la obra sino del proceso de formación del propio autor, la investigación establece un modelo de análisis del trabajo fotográfico válido para la enseñanza de la fotografía.

Autor: RODRIGUEZ CURIEL ESPINOSA MÓNICA.
Año: 2004.
Universidad: COMPLUTENSE DE MADRID.
Centro de lectura: FACULTAD DE BELLAS ARTES.
Centro de realización: FACULTAD DE BELLAS ARTES.

Resumen: La observación del contexto actual del arte y su enseñanza , del interés espontáneo y generalizado mostrado por jóvenes artistas de todo el mundo por terminar su formación artística, ya a nivel profesional , acudiendo a intessivos Talleres de Arte Actual , nos llevó a planteamos la necesidad de investigar el por qué de esta preferencia de los alumnos por el taller, como modalidad para la formación artística.El interés por el tema creció con el descubrimiento de la aparición en la escena artística mundial de otro nuevo espacio,los Artist Studio Resisdences, que se une a los Talleres de Arte Actual, en su función de revitalizar y actualizar la idea tradicional del taller como lugar para la formación profesional de los artistas.La definición de taller que tenemos en cuenta en esta investigación lo identifica con un lugar para la enseñanza experimental del arte y para la producción artística en grupo , donde se encuentra el profesor y un conjunto de alumnos, fruto de una adopción recíproca(en un primer momento son los alumnos los que eligen al profesor, más tarde ser seleccionados por éste).El maestro-profesor utiliza su experiencia y sus conocimientos como artista , en activo profesionalmente,como materia para la enseñanza, y los alumnos se van formando a través la observación del proceso de creación y el apoyo del artista-profesor.Suponen un encuentro privilegiado donde los artistas se relacionan y colaboran entre sí, compartiendo motivaciones, entusiasmo y métodos de trabajo , utilizando como material para la innovación de su obra personal y potencial acumulado en este intercambio entre colegas. En esta investigación se estudian las caracteristicas de los talleres dirigidos por artistas profesionales desde el Renacimiento, destacando ejemplos significativos que nos ayudan a entender cómo ha evolucionado el hecho de taller a lo largo de estos siglos; la relación entre el maestro-profesor y el aprendiz-alumno y las diferentes metodologías de enseñanza artística que se han utilizado.Aunque existen diferencias evidentes , que analizamos a lo largo de la investigación(hay épocas de la historia , en los siglos XVIII,XIX,y XX, en las que en el taller no hay intervención de los jóvenes artistas en la producción artística colectiva del taller),el taller siempre ha surgido de la necesidad de creación de un ambiente activo y esimulante , donde la acción creadora fuera la norma.Son centros de convivencia entre artistas (maestros-profesores y aprendices-alumnos)basados en el aprendizaje directo, la acumulación de técnicas y conocimientos y la interacción entre las enseñanzas del profesor y las influencias mutantes entre los alumnos y éste. Como conclusión estendemos que los Talleres de Arte actual y los Artist Studio Residences del siglo XXI son los herederos del espíritu de los talleres del Renacimiento.Dirigidos a la captación profesional y jóvenes artistas, ofreciéndose como lugares para la producción colectiva e individual de obra de arte y para la instrucción artística, centrados en los problemas y necesidades , nuevas y de siempre , de formación y producción artística.

Autor: MORA MILLÁN AURELIA.
Año: 2004.
Universidad: COMPLUTENSE DE MADRID.
Centro de lectura: FACULTAD DE BELLAS ARTES.
Centro de realización: FACULTAD DE BELLAS ARTES.

Resumen: En esta tesis se hallan desarrollados dos grandes bloques temáticos, títulados, respectivamente,"Aproximaciones al mito"y"Ecos del tiempo:aproximaciones al mito desde una experiencia personal". En el primer gran bloque,el denominado "Aproximaciones al mito",nos adentraremos en el mundo de lo fabuloso y la ficción, en el mundo del mito.Los mitos , en cuanto narración simbolica, nos cuentan una "historia",que ha sido transmitida de generación en generación y también, "historias", historias que pertenecen ala memoria colectiva.El mito es un fenómeno social que puede presentar variaciones culturales notables, pero que, pese a todo persiste.Tolda sociedad necesita sus mitos.De esta necesidad de los mitos, es de la que voy a hablar en este apartado ya que este mundo fascinante, fabuloso, quimérico,extraordinario y fantástico es el eje, la columna vertebral de mi obra. El segundo gran bloque temático, "Ecos del tiempo: aproximaciones al mito desde una experiencia personal", es un estudio detallado de los temas mitológicos que reprensento en mi obra y que son articulados en cuatro grandes apartados , organizados según la naturaleza del acontecimiento que nos narran.En el primer apartados, organizados según la naturaleza del acontecimiento que nos narran. En el primer apartado se tratan los apoyos del mundo y las fuerzas de la naturaleza; el segundo se dedica a la pérdida del Paraíso; el tercero al mal,representado por el Dragón y , por último , en el apartado cuarto se analizan las metamorfosis (sirenas,esfinge, centauros, tritones)y seres invisibles (ángeles). Mi tesis ha consistido en demostrar cómo los mitos nos hablean en un lenguaje de imágenes comunes al espíritu humano desde siempre y , por eso, nunca podrán ser desplazados por los descubrimientos científicos ya que no hablan del mundo externo sino del mundo de los sueños.A través de mi obra he querido recuperar ese mundo maravilloso de lo sobrenatural y adentrarme en el mundo mágico.He querido escuchar las voces de los dioses, buscar los reflejos de los héroes, ver las sombras de las ninfas, las sirenas.. He querido, en definitiva , sentir los ecos del tiempo.

Autor: GUTIÉRREZ PÁRRAGA TERESA.
Año: 2004.
Universidad: COMPLUTENSE DE MADRID.
Centro de lectura: FACULTAD DE BELLAS ARTES.
Centro de realización: FACULTAD DE BELLAS ARTES.

Resumen: El objetivo del presente trabajo de investigación es evidenciar la proximidad de las artes plásticas contemporáneas con el concepto de juego a partir de las vanguardias históricas del siglo XX.Con ello intentaremos revalorizar la actividad lúdica como fuente creativa del arte, descubriendo la poética del juego en las expresiones artísticas actuales, en las que el juego actúa como un sistema mental que trastoca el punto de vista del arte tradicional.Partiendo de esta perstpectiva que afirma la naturaleza creativa del juego, y su presencia como valor en el arte, es de la que nos servimos para reflejar en síntesis su consideración en la educación artística. El desarrollo de la investigación esta basado en un enfoque multidisciplinar estructurado en tres partes.La primera estudia los principales autores que sustentan las teorías que estudian el juego desde el punto de vista de la filosofía, la psicología, la antropología y la pedagogía, que ponen de manifiesto la complejidad de las relaciones entre el arte moderno y el juego, mostrando de forma poliédrica las multiples porpuestas teóricas que han ido acercando el juego al arte desde estas disciplinas. La segunda parte establece unos recorridos que buscan el juego en el arte de las vanguardias históricas , comprobando supresencia y su uso dentro de un marco de reflexión estética. La tercera parte analiza las implicaciones y aplicaciones educativas en las que el juego se muestra como vehículo de compresión y aprendizaje del arte moderno.Cuestión esta que resulta fundamental para la aplicación de las conclusiones de nuestro trabajo en la práctica como educadores , tanto por la posibilidad de armonizar el juego con la creación artística, como por aplicar nuestras anteriores deduciones al estudio y compresión del arte contemporáneo.

Autor: SAURA PÉREZ ÁNGELES.
Año: 2004.
Universidad: COMPLUTENSE DE MADRID.
Centro de lectura: FACULTAD DE BELLAS ARTES.
Centro de realización: FACULTAD DE BELLAS ARTES.

Resumen: La investigación es una aportación personal a la didáctica de la enseñanza artística. Se analiza el contexto escolar de la enseñanza secundaria en España en lo que concierne a la educación artística, plástica y visual. Se estudia el tipo de alumnado y profesorado de enseñanza artísticas en la Comunidad de Madrid con un exhaustivo trabajo de campo. La metodología cuantitativa es aplicada en forma de encuestas a un grupo representativo de alumnos con una respuesta del 100% (487 cuestionarios) y profesores de dibujo, con una respuesta del 45% (316 cuestionarios). Ambas se complementan por la metodología cualitativa de las entrevistas realizadas a 14 expertos (adaptación del método Delphi) y análisis de comunicados de colectivos de profesores y artículos de prensa. Se estudian las herramientas, programas y plataformas educativas que traen consigo las Tecnologías de la Información y Comunicación (TIC) y sus posibilidades para el uso en el aula de plástica. Se realiza una prospectiva de futuro sobre el sector. Se entiende la necesidad de una aplicación informática que facilite el uso de Internet en el aula de plástica. Se propone un modelo concreto para la gestión de los contenidos didácticos y artísticos con apoyo de Internet: la Biblioteca Virtual de Enseñanza Artística. Se trata de una página web educativa que cuenta con un motor de búsqueda que funciona sobre una base de datos conformada por 1200 enlaces cuidadosamente seleccionados por su interés para las asignaturas de Dibujo. Está ubicada en el dominio www.artenlaces.com. Esta aplicación informática es una herramienta didáctica que facilita la formación continua del profesorado, el trabajo colaborativo en Red, la creación de nuevos materiales curriculares y la transferencia de contenidos a través de Internet para la enseñanza artística.

Autor: RUIZ MOLLÁ ITZIAR.
Año: 2004.
Universidad: COMPLUTENSE DE MADRID.
Centro de lectura: FACULTAD DE BELLAS ARTES.
Centro de realización: FACULTAD DE BELLAS ARTES.

Resumen: Estudio acerca de la técnica de proyección de imagen en el ambito artistico y en el sentido de transformación y creación de espacios. Se analiza la parte técnica de la proyección , su campo perceptivo en el espectador y su introducción y desarrollo en tres campos específicos del arte el espacio escénico , el espacio de la performance y el espacio espositivo. Este último permite la realización de una tipología de obras de arte en el espacio expositivo que emplean imagen proyectada en cualquiera de sus versiones.Esta tipología esta basada en conceptos de transformación y creación del espacio expositivo por medio de la imagen proyectada.

Autor: LLORENTE GARCÍA FERNANDO.
Año: 2004.
Universidad: COMPLUTENSE DE MADRID.
Centro de lectura: FACULTAD DE BELLAS ARTES.
Centro de realización: FACULTAD DE BELLAS ARTES..

Resumen: A partir del hallazgo casual de tres planchas , grabadas al aguafuerte y firmadas con las letrasa "LOY" se inicia la investigación para esclarecer su autoría y en lo posible , revelar la relación de su autor conel grabado.El grabador, el cubano Ramón Loy, realizóo dichos grabados en España alrededor de 1915 en el entorno de las clases de Carlos Veger y Esteve Rotey:fue ésta una época de expansión del aguafuerte en nuestro país, que se prolongó hasta el inicio de la guerra Civil.España en las dos primeras décadas del siglo XX, sirvió como modelo académico tradicional para muchos estudiantes de Bellas Artes cubanos, quienes, a su regreso a Cuba, cultivarán y difundirán desde la Escuela de Bellas artes de la Habana los conocimientos adquiridos.Ramón Loy , alumno destacado de Grabado en al Escuela de Bellas Artes de Madrid, hizo amistad con su profesor Esteve Botey.Al volver a Cuba, tras un largo periplo europeo.se convertirá en uno de los pioneros de la joven calcografía cubana técnica que se practicará asiduamente en Cuba desde la creación en 1928, de la cátedra de grabado de la Escuela de Bellas Artes de La Habana.La influencia española estará muy presente en el grabado cubano hasta los años cincuenta , época en la que fue desplazada por la xilografía , que con su lenguaje expresivo se convirtio enel motor del grabado cubano contemporáneo.Nuestro último capítulo está dedicado íntegramente a la biografia y obra de Ramón Loy, personalidad actualmente desconocida por diversas circunstancias.Sus actividades, todas ellas interrelacionadas, giran en torno a la pintura, el grabado , la docencia , la escritura y la crítica de arte.

Autor: CARRASCAL DOMÍNGUEZ SILVIA.
Año: 2004.
Universidad: COMPLUTENSE DE MADRID.
Centro de lectura: FACULTAD DE BELLAS ARTES.
Centro de realización: FACULTAD DE BELLAS ARTES.

Resumen: Pretendemos definir los límites que incluyen al conjunto de los bienes que integran el Patrimonio Nacional. tratando de presentar como punto final a esta tesis un estudio detallado de la gestión cultural y educativa de los Bienes al servicio de la Corona Española. que permita especular el giro conceptual que se ha producido en los últimos tiempos en cuanto a la difusión y puesta en valor de la Cultura que se ejerce en la sociedad. Este carácter le confiere una serie de Singularidades especiales que. en cierta medida. la diferencian de otras instituciones públicas que gestionan bienes culturales sometidos exclusivamente a la legislación general de protección del patrimonio histórico-artístico. cumpliendo además la importante misión de estar al servicio del pueblo español como vehículo de cultura. investigación y docencia. Por ello. la exposición y análisis de los antecedentes históricos y del estado actual de la planificación cultural de sus bienes serán el eje central de esta investigación la cual nos lleva a establecer un modelo de gestión óptimo que contribuya a la difusión y puesta en valor de Patrimonio Nacional. La política cultural emergente en la actualidad ha puesto sobre la mesa un discurso de numerosos proyectos centrados en la gestión y difusión cultural del Paltirnonio Histórico. Lo cual a su vez sitúa en un punto de inflexión las lineas de actuación de las instituciones culturales españolas determinando una intervención directa basada en la planificación de recursos culturales a través de organismos que de una forma objetiva. sean capaces de poner en valor aquellos bienes al servicio de la sociedad española. Patrimonio Nacional se presenta como una institución formada por los bienes de titularidad estatal afectados al uso y servicio del Rey y de la Familia Real para el ejercicio de la alta representación que la Constitución y las leyes les atribuyen. Este carácter le confiere una serie de singularidades especiales que. en cierta medida. la diferencian de otras instituciones públicas que gestionan bienes culturales sometidos exclusivamente a la legislación general de protección del patrimonio histórico-artístico. cumpliendo además la importante misión de estar al servicio del pueblo español como vehículo de cultura. investigación y docencia. Por ello. La exposición y análisis de los antecedentes históricos y del estado actual de la planificación cultural de sus bienes serán el eje central de esta investigación la cual nos lleva a establecer un modelo de gestión óptimo que contribuya a la difusión y puesta en valor de Patrimonio Nacional. La política cultural emergente en la actualidad ha puesto sobre la mesa un discurso de numerosos proyectos centrados en la gestión y difusión cultural del Patrimonio Histórico. lo cual a su vez sitúa en un punto de inflexión las líneas de actuación de las instituciones culturales españolas determinando una intervención directa basada en la planificación de recursos culturales a través de organismos que de una forma objetiva. sean capaces de poner en valor aquellos bienes al servicio de la sociedad española. En esta investigación no se pretende redactar la historia de la evolución de la gestión cultural en Patrimonio Nacional. sino el apoyo en unos antecedentes que por sí mismos y atendiendo a las necesidades del momento nos llevan a la planificación de un proceso metodológico de análisis para llegar finalmente a conclusiones prácticas que determinarán la justificación de la propuesta final. Una síntesis que os da lugar a un campo amplio de reflexión acerca de los contenidos (J desarrollar en 103 que la documentación fotográfica prensa y legados de diferentes instituciones y personajes de la época. juegan un importante papel en la definición de las directrices y política cultural de cada uno de ellos.

Autor: PARICIO GARCÍA JORGE.
Año: 2004.
Universidad: COMPLUTENSE DE MADRID.
Centro de lectura: FACULTAD DE BELLAS ARTES.
Centro de realización: FACULTAD DE BELLAS ARTES.

Resumen: La investigación desarrollada demuestra que en la creatividad en el mundo del diseño industrial es totalmente necesario que las ideas propuestas se desarrollen a través del dibujo a mano alzada, el dibujo es el principal medio de comunicación en un medio bidimensional como forma de entender y expresar un conocimiento . El valor procedimental del Dibujo Industrial a mano alzada se analiza como el medio mas directo del diseñador en su comunicación, enmarcado dentro de un proceso creativo con una gran multiplicidad de procedimientos y variables, siendo estas muy diferentes en cada proyecto hasta materializarse en un objeto frabricado a través de procesos industriales y posteriormente puesto en uso por el consumidor final. Se ha analizado todo referente sobre la organización del Gabinete de Diseño, de la forma, la frabricación , la tecnología , el uso , el cliente, el mercado y la viabilidad dentro de un marco temporal finito como elementos para desarrollar productos industriales diseñados de calidad.

Autor: LARA TEMIÑO M. ÁNGELES.
Año: 2004.
Universidad: COMPLUTENSE DE MADRID.
Centro de lectura: FACULTAD DE BELLAS ARTES.
Centro de realización: FACULTAD DE BELLAS ARTES..

Resumen: Se ha realizado una investigación sobre las ventajas del ordenador como herramienta de apoyo para alumnos y profesores en la asignatura de Educación Plástica y Visual. El diseño y posterior aplicación de un programa didáctico de ordenador, ha servido como refuerzo a alumnos de la ESO para similar contenidos de los sistemas de representación axonométrico y diédrico; Además , también les ha ayudado al desarrollo de la visualización espacial.