kriptia.com
Búsqueda personalizada




Inicio > CIENCIAS DE LAS ARTES Y LAS LETRAS > TEORIA ANALISIS Y CRITICA DE LAS BELLAS ARTES >

ESCULTURA (2)

English | Français | Deutsche
31 tesis en 2 páginas: 1 | 2
  • DELIMITACIÓN DEL CONCEPTO "PIEL" Y SU EMPLEO EN EL ARTE DEL SIGLO XX. PANTALLA Y PIEL. LÍMITE DE LA PROYECCIÓN Y SOPORTE DEL SER

    Autor: AZPURGUA DE LUIS DAVID.
    Año: 2005.
    Universidad: PAÍS VASCO [Más tesis de esta universidad] [www.ehu.es].
    Centro de lectura: FACULTAD DE BELLAS ARTES.
    Centro de realización: FACULTAD DE BELLAS ARTES.
    Enlace a esta ficha: http://www.kriptia.com/CIENCIAS_DE_LAS_ARTES_Y_LAS_LETRAS/TEORIA_ANALISIS_Y_CRITICA_DE_LAS_BELLAS_ARTES/ESCULTURA/2#117838
    Resumen: Esta investigación traza una panorámica por las diversas manifestaciones artísticas del siglo XX que han hecho uso de "lo epidérmico", término que va más allá de la piel, para adentrarse en otros ámbitos paralelos al interés del estudio, como pueden ser lo sagrado, el vacío, el fetichismo, o el paso del tiempo ..entre otros. En esencia, lo epidérmico engloba una visión amplificada de todo lo concerniente a los límites y sus fluctuaciones, generando un minucioso ecosistema de clasificaciones y matrices, definido por el uso que los artistas -independientemente de su formación o disciplina hacen de este campo expandido. Inicialmente el trabajo incluye una contextualización de la noción actual de la piel, partiendo desde lo puramente físico, su orgnicidad material, a cualidades más psíquicas, como el sufrimiento, la enfermedad o diversas facetas del proceso perceptivo; todas ellas unidas a la proyección de la identidad en su superficie del sujeto. Las categorías realizadas en la segunda parte, centradas en la re/presentación de la piel, las relaciones entre interior y exterior, u otras cualidades y prolongaciones del tejido (membranas, revestimientos, contenedores), no sólo esbozan una serie de delimitaciones entre las funciones y modos de empleo del concepto "piel" en el arte, sino que construyen un sistema rizomático en el que las ideas se complementan y yuxtaponen, hasta conformar algunas de las hipótesis más interesantes del trabajo. Entre ellas, aportamos una concepción más amplia de la piel, entendida como umbral, más que como límite, pues su capacidad para estar siempre en medio, en constante estado de abierto, la une inevitablemente a la porosidad de los devenires dados en superficie, como a todo aquello que oculta y revela en su profundidad.
  • ALFREDO SADA (1949-1992): UN PROYECTO ESCULTÓRICO POR RECUPERAR

    Autor: RESANO LÓPEZ JUAN CRUZ.
    Año: 2005.
    Universidad: PAÍS VASCO [Más tesis de esta universidad] [www.ehu.es].
    Centro de lectura: FACULTAD DE BELLAS ARTES.
    Centro de realización: FACULTAD DE BELLAS ARTES.
    Enlace a esta ficha: http://www.kriptia.com/CIENCIAS_DE_LAS_ARTES_Y_LAS_LETRAS/TEORIA_ANALISIS_Y_CRITICA_DE_LAS_BELLAS_ARTES/ESCULTURA/2#117960
    Resumen: El tema central de estudio gira en torno a la obra escultórica realizada por Alfredo Sada. Este escultor navarro, nacido en 1949 y fallecido en 1992, desarrolló una obra cuya originalidad y peculiaridad quedó definida a finales de los años ochenta, si bien es cierto que el fatal desenlace del autor dejó truncada su trayectoria cuando comenzaba a consolidarse, (de ahí que hablemos de "proyecto" para enfatizar la repentina interrupción que se produjo, sin que ello influya en el grado de desarrollo que poseen sus esculturas). Dicho esto, anotaremos que se ha elaborado una reconstrucción biográfica rigurosa y que ello nos ha llevado a realizar también una revisión del contexto que vivió el artista. No obstante, el trabajo de campo centrado en lograr una catalogación de su obra ha supuesto la piedra angular de la tesis, lográndose un estudio inédito hasta la fecha. Lógicamente, se ha llevado a cabo un análisis de dicha obra, extrayéndose también las conclusiones oportunas. En resumen, se ha abordado la vida y obra un escultor nuestro que tuvo su momento álgido en los ochenta, una artista, por otro lado, que ha pesar de la notable relevancia que alcanzó, no ha llegado a ser reconocido en su justa medida.
  • ARTE, COMUNICACIÓN, EXPERIENCIA. ESPACIOS DE ENCUENTRO ENTRE LA POESÍA Y LA VIDA

    Autor: ARNAU DURÁN PILAR.
    Año: 2005.
    Universidad: BARCELONA [Más tesis de esta universidad] [www.ub.es].
    Centro de lectura: FACULTAD DE BELLAS ARTES DE SAN JORGE.
    Centro de realización: FACULTAD DE BELLES ARTS DE ST. JORDI.
    Enlace a esta ficha: http://www.kriptia.com/CIENCIAS_DE_LAS_ARTES_Y_LAS_LETRAS/TEORIA_ANALISIS_Y_CRITICA_DE_LAS_BELLAS_ARTES/ESCULTURA/2#118331
    Resumen: El trabajo desarrollado en esta tesis consiste en el análisis de parte de la práctica artística actual tridimensional que se desarrolla en diversas especies, y que corresponde a comportamientos individuales y sociales del arte contemporáneo. Este trabajo de investigación está basado en la obra de 17 artistas actuales cuyo trabajo he conocido en Ferias y --- europeos y 32 alumnos del último curso de escultura de la Facultad de Bellas Artes de Barcelona.
  • RELACIONES FORMALES ENTRE LA ESCULTURA PRIMITIVA Y EL ARTE POPULAR EN AVILA

    Autor: GONZALEZ SANCHEZ ELENA.
    Año: 2005.
    Universidad: SALAMANCA [Más tesis de esta universidad] [www.usal.es].
    Centro de lectura: ESCUELA UNIVERSITARIA DE EDUCACION Y TURISMO.
    Centro de realización: FACULTAD DE GEOGRAFIA E HISTORIA.
    Enlace a esta ficha: http://www.kriptia.com/CIENCIAS_DE_LAS_ARTES_Y_LAS_LETRAS/TEORIA_ANALISIS_Y_CRITICA_DE_LAS_BELLAS_ARTES/ESCULTURA/2#118830
    Resumen: Esta tesis es un trabajo planteado por, desde y para la escultura que trata el hecho creativo desde la emoción, la concreción y el estudio de datos. Este trabajo aísla dos momentos marginales respecto de la concepción artística clásica por sus esencias arcaicas bastante puras en relación al impulso creativo, estructurándose en torno a tres ideas: -
  • ENTRE EL SENTIDO Y A LA FORMA. DIFERENTES REALIDADES DEL OBJETO

    Autor: MORANT ARTAZKOZ EVA.
    Año: 2005.
    Universidad: PAÍS VASCO [Más tesis de esta universidad] [www.ehu.es].
    Centro de lectura: FACULTAD DE BELLAS ARTES.
    Centro de realización: FACULTAD DE BELLAS ARTES.
    Enlace a esta ficha: http://www.kriptia.com/CIENCIAS_DE_LAS_ARTES_Y_LAS_LETRAS/TEORIA_ANALISIS_Y_CRITICA_DE_LAS_BELLAS_ARTES/ESCULTURA/2#119373
    Resumen: Partimos de la hipótesis de que el objeto se ha convertido en un 'material' para la obra de arte, pero ya no como centro o herramienta de un discurso (político, religioso, artístico), sino como parte de la formación de la obra, de su propio 'metalenguaje'. El contexto artístico asume al objeto ampliando el campo representacional de la obra, pintura, escultura u otras formas de expresión, o sustituyendo su carácter simbólico, religioso y/o político generando diferentes estructuras para acceder al significado de la obra. En algunos casos, el objeto le dice al arte que debe conocer el proceso evolutivo de su propio lenguaje para desarrollar sistemas y conclusiones artísticas. El arte, por lo tanto, podría adoptar la metodología del objeto en la construcción de significados.
  • VENANCIO BLANCO: ARTISTA Y PERSONA. ENSEÑANZAS A UN ALUMNO

    Autor: REGO SANTÍN JUAN DO.
    Año: 2005.
    Universidad: COMPLUTENSE DE MADRID [Más tesis de esta universidad] [www.ucm.es].
    Centro de lectura: FACULTAD DE BELLAS ARTES.
    Centro de realización: FACULTAD DE BELLAS ARTES. UNIVERSIDAD COMPLUTENSE DE MADRID.
    Enlace a esta ficha: http://www.kriptia.com/CIENCIAS_DE_LAS_ARTES_Y_LAS_LETRAS/TEORIA_ANALISIS_Y_CRITICA_DE_LAS_BELLAS_ARTES/ESCULTURA/2#119751
    Resumen: Venancio Blanco muestra una personalidad peculiar y atractiva. Por eso surgen las siguientes preguntas: ¿Cuál es y cómo se estructura el proceso creativo de este artista?, ¿Cómo se integra la personalidad en el proceso creativo?, ¿Qué relaciones existen entre Venancio Blanco como persona y como artista con la originalidad de su obra? La investigación de la presente tesis nos lleva a proponer que el artista es una persona con una vocación, que consigue una intimidad entre la educación recibida y la realidad contemplada estéticamente, produciendo una expresión original. El escultor Venancio Blanco es una persona con vocación cuya intimidad está protagonizada por una educación y una formación específica y el resultado de una contemplación tamizada por su personalidad. En esto radica su originalidad. Su escultura no es artificial ni individualista. Es producto de una contemplación de la realidad para penetrar en lo que haya de valioso en ella y transformarla en otra de arte, con un lenguaje inteligible por el publico que participa de un juego común, la creatividad. El entorno no son cosas, sino elementos creativos que pueden ser interioridades. Las posibilidades del juego creativo, convierten lo que era exterior y extraño en íntimo. Las claves para ser original las transmite a través de todas una vida, que es intensa y entrada por entero al Arte. Pero al artista también nos enseña humanidad, es una persona buenísima que siempre está en posibilidad trasmitiendo ilusión a su alrededor que te hace no escatimar esfuerzos ante un trabajo artístico. Propone el descubriendo de una vocación admirable y la seriedad ante una formación responsable y auténtica añadiendo conceptos de alegría y amistad. Siempre le hemos llamado 'el maestro'.
  • MAPAS, REDES Y SINCRONIZACIONES COMO METÁFORA DEL PENSAMIENTO ARTÍSTICO.

    Autor: GRADÍN MONTERO CELIA.
    Año: 2005.
    Universidad: BARCELONA [Más tesis de esta universidad] [www.ub.es].
    Centro de lectura: FACULTAD DE BELLAS ARTES.
    Centro de realización: FACULTAD DE BELLAS ARTES (UB).
    Enlace a esta ficha: http://www.kriptia.com/CIENCIAS_DE_LAS_ARTES_Y_LAS_LETRAS/TEORIA_ANALISIS_Y_CRITICA_DE_LAS_BELLAS_ARTES/ESCULTURA/2#120964
    Resumen: Este trabajo es un acercamiento de tipo metafórico al pensamiento artístico. Para ello, se hace uso de las nuevas teorías científicas (nuevo paradigma científico) y sus interconexiones con otros campos muy variados (arte oriental, net-art, yoga, meditación, mantras, danza, biología, conocimiento compartido, ecología, etc.). Estas intersecciones permiten explorar la naturaleza del lenguaje artístico en sus múltiples manifestaciones, creando redes de significado que cada uno teje según la lectura específica del momento. Con ese mismo fin, se ha desarrollado una interficie que elabora mapas de relaciones entre diferentes fichas o nodos (en este caso documentos multimedia) y que considera el caos, la sincronicidad y las metáforas como herramientas de creación de ocnocimiento.Por lo tanto, resulta imposible un recorrido exhaustivo de este trabajo ya que presenta intrínsecamente una lectura no lineal y siempre circunstancial. Como estructura base para establecer estas relaciones, se ha elaborado un corpus teórico en el cual se plantean cinco tipos de estructuras de pensamiento interdependientes e interconectadas entre sí. El objetivo primordial es la creación de nuevos espacios relacionales, por ello podemos decir que los nodos en si no son importantes, las relaciones establecidas entre ellos son las que dan consistencia al corpus teórico. Se trabaja la idea del microcosmos como reflejo de todas las facetas de la existencia en la que ninguna de ellas es realmente fundamental sino una expresión de la interdependencia e interrelación de las mismas. Así, los nodos son como pequeñas joyas, encuentros causales, con diferente acercamiento. Algunos son el resultado de un largo proceso, otros un afortunado contacto surgido en el momento apropiado. Juntos forman una red de pequeños destellos cuyos gestos forman un contenido único, un mosaico que cada uno va construyendo a su medida en un viaje individual a través de estos espacios y tiempos virtuales. Por lo tanto, hemos desarrollado una herramienta muy flexible de creación de conocimiento que se desarrolla de un modo no lineal.
  • DE LA PLAZA AL CHAT: ANÁLISIS DE LAS TRANSFORMACIONES DEL ESPACIO PÚBLICO DESDE LA PRÁCTICA ARTÍSITICA NEOMEDIAL

    Autor: DÍAZ GARCÍA DIEGO JOSÉ.
    Año: 2006.
    Universidad: POLITÉCNICA DE VALENCIA [Más tesis de esta universidad] [www.upv.es].
    Centro de lectura: Universidad Politécnica de Valencia.
    Centro de realización: Universidad Politécnica de Valencia.
    Enlace a esta ficha: http://www.kriptia.com/CIENCIAS_DE_LAS_ARTES_Y_LAS_LETRAS/TEORIA_ANALISIS_Y_CRITICA_DE_LAS_BELLAS_ARTES/ESCULTURA/2#118657
    Resumen: Esta investigación presenta un análisis teórico-práctico sobre la situación actual del espacio público urbano desde la perspectiva del arte público neomedial. Partiendo de los motivos históricos que dieron lugar a su creación, hemos definido parques y plazas como interfaces de comunicación; lugares diseñados para que en ellos se desarrolle la comunicación ciudadana y generen por tanto esfera pública. Pero en los últimos años, se están produciendo determinados procesos socioeconómicos que hacen que estos espacios ya no sean esas interfaces primarias de comunicación entre los ciudadanos. Concretamente, en esta investigación nos hemos centrado en los cambios producidos por la masiva y permeable irrupción de las TIC -sobre todo Internet y telefonía móvil- en los modos de comunicación y usos del espacio público, para ello hemos analizado los diferentes procesos de migración que se dan entre el espacio público físico y el digital. Ante esta situación, los parques y las plazas se encuentran en un estado de desinterés generalizado, por ello en esta investigación apostamos por la remodelación de estos espacios a través de su hibridación físico-digital y defendemos la dinamización de este escenario a través de la integración de tecnologías digitales en el espacio físico como medio para desarrollar nuevas dinámicas de comunicación, entretenimiento y formación. Para analizar el marco de las prácticas artísticas relacionadas con esta investigación hemos clasificado las obras de arte público neomedial en seis categorías según la integración y el uso que hacen de las tecnologías digitales en el espacio urbano: el espacio híbrido representado, representación de lo digital en el espacio físico, modificación del entorno físico, las calles como tablero de juego, comunicación remota y objetos híbridos. A partir de estos análisis sobre las transformaciones del espacio público y las prácticas que reflexionan acerca del estado de estos espacios, hemos desarrollado cuatro sub-proyectos ...
  • HISTÒRIES DE PARAULA PLÀSTICA. CONTAR HISTÒRIES MITJANÇANT LA IMATGE I EL TEXT EN EL DISCURS ARTÍSTIC CONTEMPORANI

    Autor: VILAR GARCÍA SARA.
    Año: 2006.
    Universidad: POLITÉCNICA DE VALENCIA [Más tesis de esta universidad] [www.upv.es].
    Centro de lectura: Universidad Politécnica de Valencia.
    Centro de realización: Universidad Politécnica de Valencia.
    Enlace a esta ficha: http://www.kriptia.com/CIENCIAS_DE_LAS_ARTES_Y_LAS_LETRAS/TEORIA_ANALISIS_Y_CRITICA_DE_LAS_BELLAS_ARTES/ESCULTURA/2#119968
    Resumen: En la tesi Històries de paraula plàstica, intentem fer una incursió sobre la utilització del llenguatge escrit i de la narració d'històries en el camp de les arts visuals. En aquest sentit, la incorporació del registre verbal en el discurs artístic va implicar un gir ja en les primeres avantguardes i, des d'aleshores, la paraula s'ha convertit en un recurs més dels processos plàstics de creació actual. D'aquesta manera i prenent com a punt de partida una revisió històrica sobre la imbricació del llenguatge en l'objecte artístic, descobrirem cóm el cartell publicitari va ser el gran iniciador d'aquesta relació. Assenyalar que al llarg del treball citarem un conjunt d'artistes que desenvolupen la seua concepció de l'art com un sistema de comunicació, deixant de banda el discurs purament objectual i formalista. Repassarem cóm la tipografia, els suports, l'escriptura a mà o la composició i la disposició del text han afectat a les possibilitats creatives. Acabant aquest apartat amb el repàs de dos artistes que fan ús de l'escriptura en les seues obres: Robert Frank i Shirin Neshat. Seguint amb un recull de creadors que aprofiten les tècniques publicitàries per enviar missatges. Frases plenes de contingut i dissenyades per a l'espai públic com les de Guerrilla Girls, Bàrbara Kruger o Jenny Holzer. Es tracta d'artistes que per mitjà de les estratègies del món publicitari, la cultura de masses, el cartellisme, etcètera, han utilitzat el llenguatge com a instrument de mediació, per tal de transformar l'art en un signe social i qüestionar valors establerts sobre la identitat ètnica, sexual o la diversitat cultural. Poc a poc, les paraules han anat estenent-se i convertint-se en frases més llargues, per aquest motiu estudiarem la lectura com a vehicle per a entendre i el text com a element facilitador de la comprensió i del gaudiment d'una obra. El camí seguit fins ara, ens fa necessari introduir el segon element que per a nosaltres ajudarà en la comprensió de les històrie
  • LA TEMÁTICA SOCIAL EN EL PLANTEAMIENTO Y DESARROLLO DE LAS PRÁCTICAS ARTÍSTICAS PARA LA ESFERA PÚBLICA. HOY NO SÉ QUÉ PONERME, UNA PROPUESTA ESPECÍFICA.

    Autor: MOLINERO DOMINGO SILVIA.
    Año: 2006.
    Universidad: POLITÉCNICA DE VALENCIA [Más tesis de esta universidad] [www.upv.es].
    Centro de lectura: Departamento Escultura.
    Centro de realización: Universidad Politécnica de Valencia.
    Enlace a esta ficha: http://www.kriptia.com/CIENCIAS_DE_LAS_ARTES_Y_LAS_LETRAS/TEORIA_ANALISIS_Y_CRITICA_DE_LAS_BELLAS_ARTES/ESCULTURA/2#120888
    Resumen: Las manifestaciones creativas de los años 90 desarrolladas en el espacio público, se han acercado de manera paulatina a los hechos que hacen que la ciudadanía se movilice, generando mecanismos de encuentro, reflexión y debate acerca de estas preocupaciones, con el principal objetivo de ayudar a que se produzca más visibilidad sobre los colectivos afectados y sus problemáticas. La presente investigación, La temática social, en el planteamiento y desarrollo de las prácticas artísticas para la esfera pública, trata en sus primeros capítulos de analizar cómo el arte ha ido evolucionando desde los años 60 hasta los 90, pasando de trabajos que desarrollan temáticas intimistas más cercanas a la vida propia del autor influenciados por su concepción en el interior del estudio, hasta aquellos que son ideados, y producidos en espacios públicos en colaboración con el espectador, que a su vez es el motor temático de la creación de estas propuestas. La investigación continúa describiendo en tres grandes apartados los aspectos socio-políticos, socio-históricos y socio-culturales, los conceptos empleados en algunos trabajos de arte público en España en los años 90, como los realizados por Antoni Muntadas, El Perro, Las Agencias, Santiago Sierra, La Fiambrera Obrera, Rogelio López Cuenca, Rotor o Antoni Abad. El esquema de la investigación trata de configurar un mapa que muestre los contenidos que han suscitado interés entre el colectivo artístico durante esta época, en un intento de reflexión sobre la necesidad del artista de trabajar con valores y hechos de la sociedad moderna. Por último en el capítulo Hoy no sé qué ponerme, una propuesta específica, se ha desarrollado el proyecto presentado en la sala Edgar Neville. Este apartado responde a la necesidad de realizar una experiencia creativa en base a esta investigación, ya que como se justifica en el corpus de este estudio, se cree en la idoneidad de lo creativo como fundamento metodológico y de análisis en una tesis doctoral presentada en una facultad de bellas artes. En este trabajo se muestra la dimensión social de algunos temas considerados de interés, que surgieron a lo largo de un año natural (tomando como último día su presentación pública), a través de diversas propuestas en forma de camisetas, todas ellas espuestas junto a los documentos manejados para su concepción, análisis y producción. Temas de índole socio-político, socio-histórico y socio-cultural, al igaul que la estructura trabajada en la primera parte de esta investigación, sirven de base para diseñar y producir camisetas, utilizadas como soporte para trasladar y mostrar el mensaje. Los temas, previamente seleccionados, se enmarcaron en uno de los tres esquemas anteriormente mencionados, por lo que la camiseta tenía un caracter político, histórico o cultural. Político, con respecto a aquellos temas que han sobrepasado la protesta o movilización social y requieren de un cambio en las leyes, una respuesta en el sistema de gobierno o una propuesta de referéndum. Cultural, hace referencia a las camisetas elaboradas bajo un marco en el que la educación en valores está presente, como la participación, la democracia, el respeto, la tolerancia, la igualdad, la solidaridad, la educación vial, el amor, la paz, la cooperación, la ecologia, la educación ambiental o el desarrollo sostenible.
  • JOAQUIM CLARET, ESCULTOR DE LA MEDITERRÁNIA.

    Autor: RODRIGUEZ SAMANIEGO CRISTINA.
    Año: 2006.
    Universidad: BARCELONA [Más tesis de esta universidad] [www.ub.es].
    Centro de lectura: UNIVERSIDAD DE BARCELONA.
    Centro de realización: UNIVERSIDAD DE BARCELONA.
    Enlace a esta ficha: http://www.kriptia.com/CIENCIAS_DE_LAS_ARTES_Y_LAS_LETRAS/TEORIA_ANALISIS_Y_CRITICA_DE_LAS_BELLAS_ARTES/ESCULTURA/2#121572
    Resumen: La Tesis analiza el recorrido personal y artístico del creador catalán. Nuestro análisis de la producción claretiana tratará de poner de manifiesto la importancia que tuvieron, para la Historia del Arte tanto catalán como francesa, las producciones figurativas coetáneas a las vanguardias. Así, el proyecto aquí resumido tiene como objetivo profundizar en la investigación de un periodo fundamental, aunque poco tratado, de la Historia del Arte. A parte de la recuperación de la figura de Joaquim Claret (Camprodon, 1879 - Olot, 1967), hemos querido dar una visión del tiempo en que éste vivió y trabajó. En consecuencia, hemos optado por organizar el discurso cronológicamente y en seis capítulos, donde se combinan aspectos biográficos del escultor con una visión general del momento. Por lo tanto, la tesis otorga una especial relevancia a consideraciones de orden histórico, político y social, amén de la descripción de las actividades de Claret y del marco cultural en las que se inscribieron. La tesis se abre con un capítulo dedicado al período formativo del escultor a nivel catalán, en Olot y Barcelona, donde se asentaron las bases de su futura carrera. Hemos considerado importante establecer un repaso a la historia del os Centros a los que asistió, privilegiando el estudio de sus características fundamentales que influyeron en la formación del escultor. El capítulo se cierra con unas reflexiones relativas al paso de Claret a tierras francesas, afectado en torno a 1906. El segundo de los capítulos analiza, por un lado, el encuentro entre el escultor y Aristides Maillol, y los hechos que enmarcaron el trabajo y las exposiciones del camprodonense desde su llegada a París hasta 1914, año en que se trasladó a nuevo a Cataluña. Por el otro, efectúa un recorrido por el panorama histórico, político, literario y artístico de la Francia que acogió a Claret, conformando el contexto idóneo para la defensa de uno de los puntos más relevantes de nuestro proyecto: defender la existencia y reivindicar la importancia del nuevo clasicismo. El tercer capítulo resigue los años que el escultor pasó en el norte de Cataluña, esperando el final dela Primera Guerra Mundial. Asimismo, incluye unas reflexiones sobre las relaciones de Claret con el Noucentisme, además de un apartado dedicado al retorno del escultor a Francia en 1919, a través de la cuales se profundiza en el análisis de las relaciones entre Claret y Maillol. En la cuarta sección de la tesis hemos descrito los puntos substanciales del retorur à l'ordre, y puestas de manifiesto las diferencias y concomitancias entre este movimiento y el nuevo clasicismo. En él se tratan igualmente las actividades del coprodonense durante la década de 1920, a nivel catalán y francés. El quinto capítulo estudia en profundidad tipologías utilizadas pro Claret durante los años veinte. En éste, se pretende dar una visión más amplia y definida de las creaciones que ideó Claret en el momento de plenitud de su carrera, a través de la comparación con otras obras coetáneas con las que compartan temática o principios estéticos. El capítulo sexto se ocupa de seguir los últimos años de Joaquim Claret en Francia, e incorpora un espacio dedicado a la actividad del escultor, desde su regreso a Cataluña en 1940 hasta su muerte en 1964. El último de los apartados de este capitulo, con el que se cierra la tesis, actúa a modo de conclusión final. En ésta, se repasa la recepción critica de la figura de Claret a partir de 1965.
31 tesis en 2 páginas: 1 | 2
Búsqueda personalizada
kriptia.com
E-mail